Hay obras que ningún artista querría haber hecho y que ningún espectador desearía mirar. Nacen de la guerra, de su violencia, de su dolor y de su memoria.
En un presente marcado por conflictos que siguen poniendo en jaque la seguridad del planeta, el programa del Museo Reina Sofía, La historia no se repite, pero rima. Dumile Feni: Guernica africano, sirve como punto de partida para recorrer obras de arte que son, a la vez, testimonio, denuncia y catarsis.
'Guernica Africano' (1967), de Dumile Feni, en la exposición 'La historia no se repite, pero rima', del Museo Reina Sofía, de Madrid (España). /Foto del Museo Reina Sofía
La historia no se repite, pero rima. Dumile Feni: Guernica africano (hasta el 22 de septiembre de 2026)
El Museo Reina Sofía inaugura este programa en el que busca establecer un diálogo entre el Guernica (1937), de Pablo Picasso (España, 1891 – Francia, 1973), y otras obras “que presenten ciertos paralelismos en sus modos de representación o preocupaciones temáticas, pero procedentes de distintos contextos históricos y culturales”.
El dibujo en carboncillo de Dumile (Sudáfrica, 1942 – Nueva York, 1991) es producto de sus vivencias del apartheid sudafricano en la década de los años sesenta del siglo XX. Su relación con la obra maestra de Picasso (el brutal bombardeo que sufrió la ciudad del País Vasco en la Guerra Civil española por parte de los aliados franquistas, en 1937), no solo está en el título, sino, también, en una invocación reflejada en sus temas y sus trazos, con un elemento continuador: distorsiona aún más las figuras del artista español y potencia la atmósfera apocalíptica.
**
'Los fusilamientos del 3 de mayo' (1814), de Goya.
Los fusilamientos del 3 de mayo, de Francisco de Goya (1814)
Se trata del primer cuadro considerado antibelicista. Goya (España, 1746 – 1828) pinta la represión francesa de Napoleón en Madrid, tras el levantamiento del pueblo el 2 de mayo de 1808. La escena muestra la brutalidad y el miedo de manera muy realista y convierte al espectador en testigo. Lo hace a través de un pelotón de soldados que apuntan sus fusiles a un grupo de personas, en plena noche iluminada por un farol que revela los rostros de las víctimas, donde destaca un hombre de camisa blanca con los brazos en alto. No hay que olvidar de Goya su serie Los desastres de la guerra, 82 grabados creados entre 1810 y 1820.
**
'La libertad guiando al pueblo' (1831), de Eugéne Delacroix.
La libertad guiando al pueblo, de Eugéne Delacroix (1831)
El poder del pueblo y su instintiva necesidad de cambio quedan captadas en este lienzo vívido de Delacroix (Francia, 1798 – 1863). El artista francés se inspira en la Revolución de 1830, cuando los parisinos se levantaron contra el rey Carlos X por abusos de poder como la supresión del parlamento y la amenaza de restringir la libertad de prensa. El cuadro representa a una mujer que simboliza la libertad como guía del pueblo.
**
'Tríptico de la guerra de Dresde' (1929-1932), de Otto Dix.
Tríptico de la guerra de Dresde, de Otto Dix (1929-1932)
La experiencia de su participación en la Primera Guerra Mundial (1914-1918) convirtió a Otto Dix (Alemania, 1891 – 1969) en un creador antibelicista. Estudiaba artes en el momento de ser reclutado y vivió el horror, sobre todo en las trincheras. Este tríptico condensa gran parte de sus trabajos anteriores. Sobre tres paneles de madera crea sendas escenas de la guerra: a la izquierda, un grupo de soldados avanza entre la niebla hacia el combate; en el centro, la destrucción de una urbe con edificios en ruinas y muertos; y, a la derecha, recrea a los hombres en retirada, pero uno de ellos ayuda a un herido, un autorretrato en una especie de descendimiento de la cruz. El cuarto panel de apoyo, bajo el central, muestra un grupo de soldados que yacen, no se sabe si dormidos o muertos.
**
Momento en el que el documental sobre Robert Capa se detiene en la foto del 'Desembarco del Día D', en la exposición del Círculo de Bellas Artes, de Madrid, en 2025-2026. /WMagazín
El desembarco del Día D, de Robert Capa (1944)
El caos, la angustia, el tiempo, el miedo, la esperanza y el viaje hacia la muerte en tiempo real es lo que captura Robert Capa (Hungría, 1913 – Vietnam, 1954) en esta fotografía de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Se trata del desembarco de las tropas estadounidenses en la playa de Omaha, en Normandía (Francia), el 6 de junio de 1944. En primer plano, un soldado armado se arrastra por la playa de oleaje bravío, mientras las balas de los nazis zumban por todos lados. Esa mañana desembarcaron 160.000 soldados aliados que cambiaron el curso de la historia. En la mayor invasión marítima de la historia murieron, ese primer día, 2.400 soldados.
**
Detalle de la fotografía 'La niña de napalm (1972), de Nick Ut, tomada del documental de Televisión Española.
El terror de la guerra / La niña del napalm, de Nick Ut (1972)
El horror, la barbarie y la deshumanización se escenifican en esta imagen de cinco niños que huyen por la carretera de una aldea vietnamita rociada accidentalmente con napalm por el ejército de Vietnam. Destaca la imagen de una niña desnuda que corre con los brazos abiertos, mientras grita de dolor. La foto se ha atribuido a Nick Ut (Vietnam, 1951), un fotoperiodista freelance de Associated Press, pero en los últimos años se ha cuestionado su autoría.
**
'El lanzador de flores' (2003), de Banksy, en el Museo Banksy, de Madrid.
El lanzador de flores (Love is in the Air), de Banksy (2003)
Uno de los artistas más combativos contra la guerra y la violencia es Banksy (Reino Unido, 1974). Sus graffitis suelen aparecer en cualquier lugar del mundo en el momento más inesperado, sin que nadie sepa nada. Su arte urbano conecta problemáticas contemporáneas, donde cada imagen constituye en sí misma un relato, una denuncia, una reivindicación y un reclamo colectivo. El lanzador de flores muestra a un manifestante a punto de lanzar un ramo de flores en lugar de una piedra, un cóctel molotov o cualquier otro elemento destructivo.
**
Detalle de la instalación 'Fragmentos. Espacio de arte y memoria' (2017), de Doris Salcedo.
Fragmentos. Espacio de Arte y Memoria, de Doris Salcedo (2017)
Un “contramonumento”. Así ha definido Doris Salcedo (Colombia, 1958) su obra múltiple e híbrida en sus orígenes, materiales, elaboración, representación y funciones: los fusiles de los miembros de las guerrillas colombianas de las FARC-EP, tras el Acuerdo de Paz de 2016, se fundieron para crear el suelo en cuya elaboración participaron mujeres víctimas de la violencia sexual del conflicto armado en su país. El resultado es una instalación artística, galería de arte y espacio conmemorativo creado por ella y con la ayuda del arquitecto Carlos Granada. Son 1.288 baldosas de un metal que un día fue usado para matar gente y sobre el que hoy, transformado, la gente camina, piensa, observa y recuerda a través de diferentes actividades culturales que se organizan.
Esta antología artística sobre la guerra muestra que el arte no solo recuerda: también interpela, incomoda y obliga a mirar lo que nunca quisimos ver. Y late agazapado.